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Mysterious Painting – An Interview with Sarah Buckner
(Nelly Gawellek)

The exhibition „chances are“ by Sarah Buckner is a discovery. The raw studio space in Cologne’s Kunibertsviertel is a perfect setting for the sensitive and enigmatically attractive paintings of the Düsseldorf painter: withdrawn and intimate, while at the same time asserting himself, he creates the atmosphere into which the works radiate with their dreamy states of mind and shady weather.
I met Sarah Buckner for a conversation and talk to her about the problem of the surface and the motifs behind her paintings.

Would you tell me something about yourself? In which way did you develop the desire to become an artist and why did you choose painting? 

Somehow that came naturally. When I was a child, I was already rather introverted and drew a lot and made watercolours, that was already a form of expression for me at that time. I actually think that’s the case with many artists. And the path then somehow went on and on. My mother is Italian and I went to Palermo to make my portfolio – and also to get lost in Italy. There one of the professors said: „What are you actually doing here? Go to Düsseldorf, go to Oehlen! But that was nothing for me, this class, all with their polished shoes (laughs). But that was also the time of Doig and Tal R. Doig was the quieter class, the others were all on drugs, so I went to Doig. We all didn’t think about career back then, we rather romanticized it. 

The works in the exhibition „Chances Are“ were all created in the last few months – is there a line of thought, a point of reference? 

I read „Alice Behind the Mirrors“ by Lewis Carroll at the time, the sequel to „Alice in Wonderland“. And at the same time Ananda Coomaraswamy, who writes about traditional Indian art. I found this impressive, because it is the exact opposite of how we live. Most of the things that surround us are industrially produced. These themes naturally find their way into my work. 
I couldn’t start production until the spring because it was still very cold in the studio, so the work on the exhibition was very intensive. In the beginning I always have to free myself and then one picture actually brings me to the other. In this case, the picture I started with was a very abstract, dark purple one. 

Speaking of „abstract“: What impressed me about the works in the exhibition was the ease with which you jump back and forth between abstraction and figuration. Both seem absolutely sovereign and self-evident to you. In painting, you often get the impression that this is actually a fundamental decision, an either-or… 

The canvas is always white and I am always on the lookout. How do you create a reason for a painting? I have recently looked at how other painters do it. Munch, for example, who can also be seen in Düsseldorf, often painted a background in warm colors and then continues to paint in cold tones. I’m interested in how colours work, or even in three-dimensionality. But I can’t always choose what comes out of it. It just happens when you „come to Potte“, as they say so beautifully. But of course there is already an intention behind it. I then try it out on paper, where there is more lightness than in the paintings. 

Where do your motifs come from? Some seem pretty commonplace, but somehow surreal, fantastic.  

In a painting you see two children playing in a park. I see the park from my studio and I took a photo. I liked the way the children play, uninhibited and submerged. The scene reminded me of this Swedish vampire film, which has a very special atmosphere (Låt den rätte komma, 2008). It dawns and is shady. The painting with the horse, for example, is a very personal one. It was somehow a difficult time and this being an artist is just hard because there is so much already. I tried to cope with this pressure. 

…Nevertheless the painting doesn’t put you under stress when you see it.

No, the painting goes through a lot of – cruel – stages (laughs) and that’s actually something tragic, just to carry on anyway. But in the end the image made it clear again that everything is wonderful as it is. It gives me an answer out of itself. Sometimes it’s a bit like playing table tennis with yourself. Precisely because there is so much in painting already, I first tried to find something very innocent for myself. That’s why I consciously decided to do something very contrary to what many artists currently do who deal with feminism and gender issues. I think it’s great if someone can work like that, but I don’t want to negotiate that in my paintings. Perhaps it’s almost expected today, especially by female artists, and the subject is very charged. 

Maybe that would also be „too much topic“ for your works… It seemed to me, for example, as if the paper works, in which the motif is very receding, were the more experimental medium, without a theme „standing in the way“. That sometimes gets a bit messy and chaotic, whereas the figurative paintings are very fine and the color as a material is less important than the motif. 

Actually, it’s exactly the other way around (laughs). The paper works are the frame in which you can get exactly what you want. In painting, things often happen that you can’t control. For the painting that looks a bit like a book, for example, I wanted something completely different and that didn’t work. At the same time it was a nice parallel to the book title „Alice Behind the Mirrors“: Painting is actually like a mirror – a surface behind which you can look. A space that gives you the illusion of being „behind“, but you always stay on the surface.


deut. Version

Mysteriöse Malerei – Ein Interview mit Sarah Buckner
(Nelly Gawellek)

Die Ausstellung „Chances are“ von Sarah Buckner ist eine kleine Entdeckung. Der rohe Atelier-Raum im Kölner Kunibertsviertel bildet ein perfektes Setting für die sensiblen und rätselhaft-anziehenden Gemälde der Düsseldorfer Malerin: zurückgezogen und intim und dabei gleichzeitig sich behauptend kreiert er die Atmosphäre, in die die Arbeiten mit ihren träumerischen Gemütszuständen und zwielichtigen Witterungen zurückstrahlen. 
Ich habe Sarah Buckner zum Gespräch getroffen und spreche mit ihr über das Problem der Oberfläche und die Motive hinter ihren Bildern. 

Kannst du kurz etwas über dich erzählen? Wie ist bei dir der Wunsch entstanden, Künstlerin zu werden und warum hast du dich für Malerei entschieden? 

Das hat sich irgendwie ganz natürlich ergeben. Ich war als Kind schon eher zurückgezogen und habe viel gezeichnet und Aquarelle gemacht, das war damals schon eine Ausdrucksform für mich. Ich glaube eigentlich, dass das bei vielen Künstlern so ist. Und der Weg ging dann irgendwie immer weiter. Meine Mutter ist Italienerin und ich bin nach Palermo gegangen, um mein Portfolio zu machen – und auch um ein bisschen in Italien verloren zu gehen. Dort hat einer der Professoren gesagt: „Was machst du eigentlich hier? Geh nach Düsseldorf, geh zu Oehlen!“ Das war aber nichts für mich, diese Klasse, die Alle mit ihren geputzten Schuhen (lacht). Das war aber auch die Zeit von Doig und Tal R. Doig war die ruhigere Klasse, die anderen waren alle auf Drogen, daher ging ich zu Doig. An Karriere haben wir damals alle nicht gedacht, wir haben das eher romantisiert. 

Die Arbeiten in der Ausstellung „Chances are“ sind alle in den letzten Monaten entstanden – gibt es da eine gedankliche Linie, einen Referenzpunkt? 

Ich habe in der Zeit „Alice hinter den Spiegeln“ von Lewis Carroll gelesen, die Fortsetzung von „Alice im Wunderland“. Und parallel dazuAnanda Coomaraswamy, der über traditionelle indische Kunst schreibt. Ich fand das beeindruckend, weil es das genaue Gegenteil von dem ist, wie wir leben. Ein Großteil der Dinge, die uns umgeben, sind industriell hergestellt. Diese Themen finden natürlich ihren Weg in meine Arbeit. Mit der Produktion konnte ich erst spät anfangen, da es im Frühjahr im Atelier noch sehr kalt war, daher war die Arbeit an der Ausstellung sehr intensiv. Am Anfang muss ich mich immer erstmal freischlagen und dann bringt mich eigentlich ein Bild zum Anderen. Das Bild, mit dem ich angefangen habe, war in diesem Fall ein sehr abstraktes, dunkelviolettes. 

A propos „abstrakt“: Was mich an den Arbeiten in der Ausstellung beeindruckt hat, ist die Leichtigkeit, mit der du zwischen Abstraktion und Figuration hin- und herspringst. Beides wirkt bei dir absolut souverän und selbstverständlich. In der Malerei hat man oft den Eindruck, dass das eigentlich eine Grundsatzentscheidung ist, ein Entweder-Oder… 

Die Leinwand ist immer weiß und ich bin jedes Mal auf der Suche. Wie legt man einen Grund an für ein Bild? Ich habe mir in letzter Zeit angeschaut, wie andere Maler das machen. Munch zum Beispiel, der ja gerade auch in Düsseldorf zu sehen ist, malte oft einen Untergrund in warmen Farben und malt dann in kalten Tönen weiter. Mich interessiert, wie Farben funktionieren oder auch Räumlichkeit. Was bei mir dabei dann herauskommt, kann ich mir aber auch gar nicht immer aussuchen. Es passiert einfach, wenn man dann „zu Potte kommt“, wie man so schön sagt. Allerdings gibt es natürlich schon eine Absicht, die dahintersteht. Ich probiere das dann auf Papier aus, wo eher eine Leichtigkeit da ist, als bei den Gemälden. 

Woher stammen deine Motive? Einige wirken ziemlich alltäglich, aber dabei doch irgendwie surreal, fantastisch.  

Auf einem Gemälde sieht man zwei Kinder, die in einem Park spielen. Den Park sehe ich aus meinem Atelier und ich habe ein Foto gemacht. Mit hat es gefallen, wie unbefangen und versunken die Kinder spielen. Die Szene hat mich an diesen schwedischen Vampirfilm erinnert, der eine ganz besondere Stimmung hat (Låt den rätte komma, 2008). Es dämmert und ist zwielichtig. Das Gemälde mit dem Pferd zum Beispiel ist ein sehr persönliches. Es war irgendwie eine schwere Zeit und dieses Künstlersein ist ja auch einfach hart, weil es schon so viel gibt. Ich habe da versucht, mit diesem Druck klarzukommen. 

…Trotzdem versetzt einen das Bild nicht in Stress, wenn man es sieht.

Nein, das Bild geht ja durch ganz viele – grausame – Stadien (lacht) und das ist ja eigentlich etwas Tragisches, einfach trotzdem weiterzumachen. Durch das Bild wurde aber dann am Ende wieder klar, dass alles wunderbar ist, wie es ist. Das Bild gibt mir eine Antwort aus sich selbst heraus. Es ist manchmal ein bisschen so, als würde man mit sich selbst Tischtennis spielen. 
Gerade weil es schon so viel gibt in der Malerei, habe ich erstmal versucht, für mich etwas sehr Unschuldiges zu finden. Ich habe mich daher auch bewusst entschieden, etwas sehr Gegenteiliges zu dem zu machen, was aktuell viele Künstlerinnen machen, die sich mit Feminismus und Genderthemen beschäftigen. Ich finde es toll, wenn jemand so arbeiten kann, aber ich will das in meinen Bildern nicht verhandeln. Es wird heute vielleicht sogar fast schon erwartet, gerade von weiblichen Künstlerinnen, und das Thema ist sehr aufgeladen. 

Vielleicht wäre das dann auch „zu viel Thema“ für deine Arbeiten… Es kam mir beispielsweise so vor, als wären ´die Papierarbeiten, bei denen das Motiv sehr zurücktritt das experimentellere Medium, ohne dass ein Thema „im Weg steht“. Das wird dann auch manchmal etwas unordentlich und chaotisch, wohingegen die figürlichen Gemälde sehr fein sind und die Farbe als Material hinter das Motiv zurücktritt. 

Eigentlich ist es genau umgekehrt (lacht). Die Papierarbeiten sind der Rahmen, in dem man genau das erhalten kann, was man möchte. Bei der Malerei passieren oft Dinge, die man nicht unter Kontrolle hat. Bei dem Gemälde, das ein bisschen aussieht wie ein Buch, wollte ich zum Beispiel etwas ganz anderes und das hat dann nicht funktioniert. Gleichzeitig war das eine schöne Parallele zu dem Buchtitel „Alice hinter den Spiegeln“: Malerei ist eigentlich wie ein Spiegel – eine Oberfläche, hinter die man blicken kann. Ein Raum, der einem die Illusion eines „Dahinters“ gibt, aber man bleibt doch immer auf der Oberfläche.